Τα τελευταία χρόνια
Μετά το 1900, δύο φιλόδοξα έργα, και τα δύο μακριά από το Giverny, ολοκλήρωσαν την αναζήτηση του Monet για νέα μοτίβα. Το πρώτο (για το οποίο έκανε τουλάχιστον τρία ταξίδια στο Λονδίνο μεταξύ 1899 και 1904) ήταν οι εκτεταμένες πολλαπλές σειρές που αντιπροσωπεύουν τον ποταμό Τάμεση, τις γέφυρες Waterloo και Charing Cross, και τις Βουλές του Κοινοβουλίου. Τα έργα - εξωτικός χρωματισμός και μυστηριώδης ρομαντική διάθεση - θυμούνται τους πίνακες του Τάμεση του Turner και του James McNeill Whistler. Σε αυτούς τους πίνακες είναι η ατμόσφαιρα, περισσότερο από τις ιδιαιτερότητες αυτών των κατασκευών, είναι το θέμα του Monet. Τα κτίρια και οι γέφυρες είναι λιγότερο απτά από τα παλμικά πινελιές που δίνουν όγκο στην ελαφριά ομίχλη και την ομίχλη. Το δεύτερο και τελευταίο από τα αρχιτεκτονικά μοτίβα που επιδιώκει ο Monet ήταν τα κανάλια και τα παλάτια της Βενετίας. Ο Monet ξεκίνησε αυτή τη σειρά το 1908 και συνεχίστηκε το 1909, παρόλο που δούλεψε σε αυτά τα θέματα στο Giverny μέχρι το 1912. Η Βενετία ήταν ένα τέλειο ιμπρεσιονιστικό θέμα, αλλά το φως, το νερό, η κίνηση, η αρχιτεκτονική και οι αντανακλάσεις στο νερό είναι πιο γενικευμένες σε αυτά τα έργα. από τα συγκεκριμένα καιρικά φαινόμενα της σειράς άχυρου και καθεδρικού ναού.
Το 1893 ο Monet είχε αγοράσει μια λωρίδα ελώδους απέναντι από το σπίτι και τον ανθισμένο κήπο του, μέσω του οποίου ρέει ένας παραπόταμος του Epte. Εκτρέποντας αυτό το ρεύμα, άρχισε να κατασκευάζει έναν κήπο νούφαρο. Σύντομα οι ιτιές, η ίριδα και το μπαμπού έκλαιγαν γύρω από μια πισίνα ελεύθερης μορφής, συστάδες από κρίνα και άνθη που επιπλέουν στο ήσυχο νερό, και μια ιαπωνική γέφυρα έκλεισε τη σύνθεση στο ένα άκρο. Μέχρι το 1900, αυτό το μοναδικό προϊόν της φαντασίας του Monet (για τον ιμπρεσιονισμό του είχε γίνει πιο υποκειμενικό) ήταν από μόνο του ένα σημαντικό έργο περιβαλλοντικής τέχνης - ένας εξωτικός λωτός, στον οποίο επρόκειτο να διαλογιστεί και να ζωγραφίσει για σχεδόν 30 χρόνια. Οι πρώτοι καμβάδες που δημιούργησε απεικονίζοντας κρίνα, νερό και η ιαπωνική γέφυρα ήταν μόνο περίπου μια τετραγωνική αυλή, αλλά η άνευ προηγουμένου ανοιχτή σύνθεσή τους, με τα μεγάλα άνθη και τα μαξιλάρια να κρέμονται σαν στο διάστημα, και το γαλάζιο νερό στο οποίο αντανακλούσαν τα σύννεφα, ένα περιβάλλον που περικλείει πέρα από το πλαίσιο.
Αυτή η ιδέα της αγκαλιάζουσας χωρικότητας, νέα στην ιστορία της ζωγραφικής και εμμέσως μόνο στους πρώτους πίνακες νούφαρου, ξετυλίχτηκε κατά τη διάρκεια των ετών από το 1915 έως το θάνατο του καλλιτέχνη σε έναν κύκλο τεράστιων τοιχογραφιών που θα εγκατασταθούν στο Παρίσι σε οβάλ δύο 80 ποδιών δωμάτια στο Orangerie of the Tuileries. Αυτά περιγράφονται το 1952 από τον ζωγράφο André Masson ως «το παρεκκλήσι Sistine του ιμπρεσιονισμού». Αυτό το κορυφαίο επίτευγμα της μακροχρόνιας, διερευνητικής μελέτης της φύσης του Μονέ - η προσπάθειά του να δώσει τις εντυπώσεις του, όπως είπε, "μπροστά στις πιο φυγάδες επιδράσεις" - δεν ήταν αφιερωμένη μόνο μετά το θάνατό του. Οι πολλές μεγάλες μελέτες για τις τοιχογραφίες του Orangerie, καθώς και άλλα πρωτοφανή και μοναδικά έργα ζωγραφισμένα στον υδάτινο κήπο μεταξύ του 1916 και του 1925, ήταν σχεδόν άγνωστα μέχρι τη δεκαετία του 1950, αλλά τώρα διανέμονται σε όλες τις μεγάλες ιδιωτικές συλλογές και μουσεία του κόσμου. Παρά την αποτυχία της όρασης λόγω καταρράκτη, ο Monet συνέχισε να ζωγραφίζει σχεδόν μέχρι το θάνατό του το 1926.
