Σχέδιο τέχνης

Πορτρέτα

Τα ζωγραφισμένα πορτρέτα του 15ου αιώνα - για παράδειγμα, από τον Pisanello ή τον Jan van Eyck - μπορεί να θεωρηθούν ολοκληρωμένα εικονογραφικά έργα στη συγκέντρωση, την εκτέλεση και την κατανομή του χώρου τους. Η καθαρή, λεπτή οριοθέτηση αναπαράσταση ακολουθεί κάθε λεπτομέρεια της επιφάνειας, αγωνιζόμενος για ρεαλισμό. Προτιμάται το προφίλ, πλούσιο σε λεπτομέρεια. μοιάζει με ανακούφιση, είναι παρόμοιο με το μενταγιόν. Ακολούθως, στην προβολή του καθαρού προφίλ, το προφίλ των τριών τετάρτων, με το πιο χωρικό του αποτέλεσμα, ήρθε στο προσκήνιο, για να παραμείνει για αιώνες η κλασική προσωπογραφία.

Η στενή σχέση με τη ζωγραφική ισχύει για σχεδόν όλα τα σχέδια πορτρέτου του 15ου αιώνα. Ακόμα και τόσο ισχυρή δουλειά, όπως το σχέδιο του Dürer για τον αυτοκράτορα Maximilian, ξεκίνησε ως μελέτη πορτρέτου για έναν πίνακα. Ταυτόχρονα, ωστόσο, μερικά από τα πορτραίτα του Dürer ενσωματώνουν σαφώς το τελικό στάδιο μιας καλλιτεχνικής επιχείρησης, μια αμφιθυμία που μπορεί επίσης να παρατηρηθεί και σε άλλους πορτρέτες του 16ου αιώνα. Τα έργα του Jean και του François Clouet στη Γαλλία και του νεότερου Hans Holbein στην Ελβετία και ακόμη πιο έντονα στην Αγγλία τον ίδιο αιώνα έδωσαν αυτονομία στο σχέδιο πορτρέτου, ειδικά όταν ένα σχέδιο ολοκληρώθηκε με κιμωλία διαφόρων χρωμάτων. Η επιλογή του μαλακότερου μέσου, του περιγράμματος, το οποίο για όλη της την ακρίβεια είναι λιγότερο αυστηρά αυτόνομο και το πιο λεπτό εσωτερικό σχέδιο με στοιχεία αεροπλάνου δίνει σε αυτά τα σχέδια έναν πιο ζωντανό, πιο προσωπικό χαρακτήρα και τονίζει για άλλη μια φορά την εγγύτητά τους στη ζωγραφική.

Στην τεχνική της πολυχρωματικής κιμωλίας και του παστέλ, το σχέδιο πορτρέτου διατήρησε την ανεξαρτησία του στον 19ο αιώνα. Τον 18ο αιώνα, οι Quentin de La Tour, François Boucher και Jean-Baptiste Chardin - όλοι αυτοί οι καλλιτέχνες από τη Γαλλία - ήταν μεταξύ των επικεφαλής του, και ακόμη και ο Ingres, που ζούσε τον 19ο αιώνα, χρησιμοποίησε ακόμα την τεχνική του. Στην παστέλ ζωγραφική, το πορτρέτο ξεπέρασε όλα τα άλλα θέματα.

Στην επιλογή της στάσης, του τύπου και της εκτέλεσης, η ζωγραφική πορτρέτου, όπως και άλλες μορφές τέχνης, επηρεάζεται από τα γενικά στιλιστικά χαρακτηριστικά μιας εποχής. Έτσι, η ακραία εικονογραφική στάση των αείμνηστων Μπαρόκ και Ροκόκο ακολουθήθηκε από μια αυστηρότερη σύλληψη κατά τη διάρκεια του Νεοκλασικισμού, η οποία προτίμησε τις μονόχρωμες τεχνικές και καλλιέργησε επίσης την ειδική μορφή της σιλουέτας, ένα περίγραμμα σχεδίασης με την περιοχή γεμάτη με μαύρο χρώμα. Αναμφισβήτητα χρέη στους προκατόχους τους του 15ου αιώνα, οι δημιουργοί των πορτραίτων σχεδίων των αρχών του 19ου αιώνα είχαν ως στόχο για άλλη μια φορά την ακριβή απόδοση λεπτομέρειας και τα πλαστικά εφέ που αποκτήθηκαν μέσω των πιο προσεκτικά επιλεγμένων γραφικών μέσων: το λεπτό, σκληρό μολύβι ήταν το αγαπημένο τους όργανο, και το ασημένιο σημείο, επίσης, ανακαλύφθηκε εκ νέου από τους Ρομαντικούς.

Πιο ενδιαφερόμενοι για τις ψυχολογικές πτυχές της προσωπογραφίας, οι συντάκτες του 19ου και του 20ου αιώνα προτιμούσαν τα μαλακότερα κραγιόνια που ακολουθούν εύκολα κάθε καλλιτεχνική ώθηση. Η κατάσχεση των χαρακτηριστικών στοιχείων και η κατάλληλη παράσταση του αεροπλάνου ζύγιζε περισσότερο από αυτά παρά ρεαλιστική λεπτομέρεια. Τα στοιχεία διάθεσης, η πνευματική ένταση και η προσωπική δέσμευση είναι τυπικά χαρακτηριστικά του σύγχρονου πορτρέτου και επομένως και του σύγχρονου σχεδίου πορτρέτου, μια τέχνη που συνεχίζει να τεκμηριώνει την προσωπική χειροτεχνία του καλλιτέχνη πέρα ​​από τα χαρακτηριστικά διαφόρων τεχνικών.

Τοπία

Ήδη από τον 15ο αιώνα, τα σχέδια τοπίων είχαν επίσης αρκετή αυτονομία, ώστε να είναι δύσκολο να γίνει διάκριση μεταξύ της τελικής μελέτης για το φόντο μιας συγκεκριμένης ζωγραφικής και ενός ανεξάρτητου, αυτόνομου σκιαγραφημένου τοπίου. Ήδη στα σκίτσα του Jacopo Bellini του 15ου αιώνα (που σώζονται σε άλμπουμ στο Βρετανικό Μουσείο και το Λούβρο), υπάρχει μια στενή σχέση μεταξύ της μελέτης της φύσης και της εικονογραφικής δομής. Στο στούντιο του Titian τον 16ο αιώνα, τα σκίτσα τοπίου πρέπει να έχουν εμφανιστεί ως προτάσεις για εικονογραφικά υπόβαθρα.

Αλλά ο Dürer ανέπτυξε το τοπίο ως αναμνηστική εικόνα και αυτόνομο έργο τέχνης, εν συντομία, ως δικό του θέμα χωρίς αναφορά σε άλλα έργα. Οι ακουαρέλες του πάνω απ 'όλα, αλλά και τα σχέδια των δύο ιταλικών ταξιδιών του, του περιβάλλοντος χώρου του Nürnberg και του ταξιδιού στην Ολλανδία, αντιπροσωπεύουν τα πρώτα αγνά σχέδια τοπίου. Αιώνες έπρεπε να περάσουν προτού να εμφανιστούν ξανά τέτοια σχέδια σε αυτήν την απόλυτη διατύπωση.

Τα στοιχεία του τοπίου ήταν επίσης πολύ σημαντικά στα γερμανικά και ολλανδικά σχέδια και εικόνες του 16ου αιώνα. Η εικονιστική παράσταση, που εξακολουθεί να υπάρχει στις περισσότερες περιπτώσεις, τυπικά εντάσσεται στο ρομαντικό τοπίο δασών και λιβαδιών, ιδιαίτερα στα έργα της Σχολής του Δούναβη - για παράδειγμα, Albrecht Altdorfer και Wolf Huber. Πιο συχνά από ό, τι σε άλλα σχολεία, βρίσκει κανείς εδώ προσεκτικά εκτεθειμένες φυσικές απόψεις. Στις Κάτω Χώρες, ο Pieter Bruegel έβγαλε τοπογραφικές απόψεις καθώς και δωρεάν συνθέσεις τοπίου, και στις δύο περιπτώσεις ως αυτόνομα έργα.

Τον 17ο αιώνα, η μελέτη της φύσης και το σχέδιο τοπίου που αναπτύχθηκε από αυτή έφτασαν σε ένα νέο υψηλό. Τα τοπικά σχέδια του Accademia degli Incamminati (για παράδειγμα του Domenichino) συνδύασαν κλασικά και μυθολογικά θέματα με ηρωικά τοπία. Ο Γάλλος Claude Lorrain, που ζούσε στη Ρώμη, εργαζόταν συχνά κάτω από τον ανοιχτό ουρανό, δημιουργώντας σχέδια τοπίου με μέχρι στιγμής ανεπιτήδευτη ατμοσφαιρική ποιότητα. Αυτός ο τύπος καλλιεργημένου και εξιδανικευμένου τοπίου, που απεικονίζεται επίσης από τον Poussin και άλλους Βόρειους κατοίκους που κατοικούσαν στη Ρώμη (ονομάστηκαν Ολλανδοί Ρουμανιστές λαμβάνοντας υπόψη το γεγονός ότι τόσα πολλά καλλιτέχνες από τις Κάτω Χώρες ζούσαν στη Ρώμη, τα σχέδιά τους της Ιταλίας επιτυγχάνουν σχεδόν αιθέρια ποιότητα), έρχεται σε αντίθεση με την unheroic, κοντά στη φύση έννοια του τοπίου που κατέχουν κυρίως οι Κάτω Χώρες όταν απεικονίζουν το τοπίο της πατρίδας τους. Όλοι οι ζωγράφοι τοπίου - οι ζωγραφιές τοπίου τους μια ειδικότητα που εκπροσωπήθηκε έντονα στις καλλιτεχνικά εξειδικευμένες Χαμηλές Χώρες - δημιούργησαν επίσης ανεξάρτητα σχέδια τοπίων (για παράδειγμα ο Jan van Goyen και Jacob van Ruisdael και ο θείος και ο ξάδελφός του), με τον Rembrandt να καταλαμβάνει ξανά μια ειδική θέση: καταγράφοντας τα χαρακτηριστικά μιας περιοχής συχνά με λίγες πινελιές, τα βελτίωσε με τέτοιο τρόπο που αποκτούν μνημειακή εκφραστική ισχύ, ακόμη και στη μικρότερη μορφή. Στην Ιταλία του 18ου αιώνα, το τοπογραφικά πιστό σχέδιο τοπίου αποκτά σημασία με την έλευση του Vedutisti, τους προμηθευτές των «απόψεων», σχηματίζοντας μια ομάδα από μόνες τους (μεταξύ αυτών, Giambattista Piranesi και Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) και συχνά εργάζονται με οπτικά βοηθήματα όπως το πλαίσιο και το σκοτάδι της κάμερας. Σχέδια τοπίου με μεγαλύτερη καλλιτεχνική ελευθερία, καθώς και φανταστικά τοπία, έγιναν με επιτυχία από μερικούς Γάλλους καλλιτέχνες, μεταξύ των οποίων ο Hubert Robert. εικονογραφικά και ατμοσφαιρικά, αυτά τα θέματα έφτασαν σε ένα δεύτερο άνθισμα στα ζωγραφισμένα τοπία τέτοιων αγγλικών καλλιτεχνών όπως ο Turner και ο Alexander Cozens, των οποίων η επιρροή επεκτείνεται μέχρι τον 20ο αιώνα.

Λαμβάνοντας υπόψη το έντονο ενδιαφέρον τους για την οριοθέτηση, οι συντάκτες του Νεοκλασικισμού του 18ου αιώνα και, ακόμη περισσότερο, ο Ρομαντισμός παρατήρησαν τη φύση με τοπογραφική ακρίβεια. Ως μια νέα «ανακάλυψη», ο ρομαντικός και ηρωικά υπερβολικός κόσμος των Άλπεων πήρε τη θέση του στο μυαλό του καλλιτέχνη παράλληλα με την αρκαδική θέα του ιταλικού τοπίου.

Σχέδια τοπίου και ακόμη περισσότερο, ακουαρέλες, δημιούργησαν ένα ανεξάντλητο θέμα τον 19ο αιώνα. Ο Γάλλος καλλιτέχνης Jean-Baptiste-Camille Corot και, προς το τέλος του αιώνα, οι Cézanne και van Gogh, ήταν από τους κορυφαίους δημιουργούς σχεδίων τοπίου. Τα τοπία αποτελούσαν μέρος του έργου πολλών συντακτών του 20ου αιώνα, αλλά, για μεγάλο μέρος του αιώνα, το είδος αυτό καθαυτό κατέλαβε τη δεύτερη θέση σε γενικά προβλήματα μορφής, στα οποία το θέμα αντιμετωπίστηκε απλώς ως αφετηρία. Ωστόσο, τα τελευταία 30 χρόνια του 20ού αιώνα, ένας μεγάλος αριθμός Αμερικανών καλλιτεχνών επέστρεψε στην εκπροσώπηση, επανεπενδύοντας έτσι στο τοπίο ως θέμα.

Φιγούρες συνθέσεις και νεκρές φύσεις

Σε σύγκριση με τα κύρια θέματα του αυτόνομου σχεδίου - προσωπογραφία και τοπίο - όλα τα άλλα είναι λιγότερο σημαντικής σημασίας. Οι συνθέσεις των ειδώλων εξαρτώνται σε μεγάλο βαθμό από τη ζωγραφική της εποχής τους και συχνά συνδέονται άμεσα με αυτήν. Υπήρχαν, βεβαίως, καλλιτέχνες που ασχολήθηκαν με τα σχέδιά τους με τα θέματα της μνημειακής ζωγραφικής, όπως ο χαράκτης του 17ου αιώνα και ο etcher Raymond de La Fage. Σε γενικές γραμμές, ωστόσο, ο καλλιτεχνικός στόχος της σύνθεσης του σχήματος είναι η εικόνα, με το σχέδιο να αντιπροσωπεύει αλλά ένα χρήσιμο βοήθημα και έναν σταθμό. Οι σκηνές του είδους, ιδιαίτερα δημοφιλείς στις Κάτω Χώρες του 17ου αιώνα (όπως έγινε για παράδειγμα από τους Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade και Jan Steen) και στη Γαλλία και την Αγγλία του 18ου αιώνα, απέκτησαν κάποια ανεξάρτητη θέση. Επίσης, τον 19ο αιώνα, υπήρχαν σχέδια που αφηγήθηκαν ιστορίες της καθημερινής ζωής. συχνά ενδεικτικά σε χαρακτήρα, μπορεί να ονομάζονται «μικρές εικόνες», όχι μόνο λόγω της συχνά πολύχρωμης μορφής, αλλά και στην καλλιτεχνική τους εκτέλεση.

Οι νεκρές ζωές μπορούν επίσης να ισχυριστούν ότι είναι αυτόνομα σχέδια, ειδικά οι παραστάσεις λουλουδιών, όπως αυτές του ολλανδού καλλιτέχνη Jan van Huysum, οι οποίες ήταν δημοφιλείς από τον 17ο αιώνα. Εδώ, πάλι, είναι αλήθεια ότι μια καλά σχεδιασμένη διάταξη μετατρέπει μια άμεση μελέτη της φύσης σε μια εικονογραφική σύνθεση. Σε μερικές από αυτές τις συνθέσεις η ομοιότητα με τη ζωγραφική είναι πολύ ισχυρή. Τα παστέλ του καλλιτέχνη του 19ου και του 20ου αιώνα, Odilon Redon, για παράδειγμα, ή το έργο του γερμανικού εξπρεσιονιστή Emil Nolde του 20ου αιώνα, με τη χρωματική ένταση του, ξεπερνά εντελώς τη διαχωριστική γραμμή μεταξύ σχεδίου και ζωγραφικής. Σε νεκρές φύσεις, όπως και στα τοπία, οι αυτόνομες αρχές της μορφής είναι πιο σημαντικές για τους σύγχρονους καλλιτέχνες από την πραγματική δήλωση.

Φανταστικά και μη αντιπροσωπευτικά σχέδια

Τα σχέδια με φανταστικά και φανταστικά θέματα είναι πιο ανεξάρτητα από την εξωτερική πραγματικότητα. Οι εμφανίσεις των ονείρων, οι μεταμορφώσεις και η συνένωση χωριστών επιπέδων και περιοχών της πραγματικότητας ήταν παραδοσιακά θέματα. Τα φαντασμαγορικά έργα του Hieronymus Bosch στα τέλη του 15ου αιώνα είναι ένα πρώιμο παράδειγμα. Υπάρχουν αλληγορικές σκηνές αγροτών από τον φλαμανδό καλλιτέχνη του 16ου αιώνα, Pieter Bruegel και τις καρναβαλικές χαρακτικές του Γάλλου καλλιτέχνη του 17ου αιώνα Jacques Callot. Άλλοι των οποίων τα έργα δείχνουν τι μπορεί να γίνει με τη σχεδίαση εξωτερικού τοπίου και πορτρέτων είναι: ο Ιταλός χαράκτης του 18ου αιώνα Giambattista Piranesi, ο αγγλο-ελβετικός καλλιτέχνης του 18ου αιώνα Henry Fuseli, ο αγγλικός εικονογράφος του 19ου αιώνα Walter Crane, ο Γάλλος του 19ου αιώνα Ο συμβολιστής καλλιτέχνης Gustave Moreau, και οι σουρεαλιστές του 20ου αιώνα.

Η μη αντιπροσωπευτική τέχνη, με τη μείωση των βασικών στοιχείων του σχεδίου - σημείο, γραμμή, επίπεδο - σε καθαρή μορφή, προσέφερε νέες προκλήσεις. Μέσα από την αποποίηση των συσχετιστικών σωματικών και χωρικών σχέσεων, η ανάπτυξη των διαστάσεων του σχεδίου και η δομή των διαφόρων μέσων αποκτούν νέα σημασία. Οι γραφικές ιδιότητες της γραμμής στο αεροπλάνο καθώς και η μη χαρακτηρισμένη περιοχή είχαν ήδη τονιστεί σε παλαιότερες εποχές - για παράδειγμα, στο grotteschi του Giuseppe Arcimboldo τον 16ο αιώνα (οι φανταστικές ή φανταστικές αναπαραστάσεις ανθρώπινων και ζωικών μορφών που συχνά συνδυάζονται με ο ένας τον άλλον και συνυφασμένο με παραστάσεις φυλλώματος, λουλουδιών, φρούτων ή τα παρόμοια) και σε καλλιγραφικές ασκήσεις, όπως μαρακές (έντονα στυλιζαρισμένο γραμμικό στολίδι, βασισμένο σε φύλλα και άνθη) - αλλά κυρίως ως μοντέλα εκτύπωσης ή χάραξης για τις πιο διαφορετικές διακοσμητικές εργασίες (εσωτερική διακόσμηση, έπιπλα, σκεύη, κοσμήματα, όπλα και παρόμοια).