Η έκθεση "#techstyle" του 2016 στο Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης γιόρτασε ένα νέο επίπεδο δημιουργικής συνεργασίας μεταξύ της υψηλής μόδας και της προηγμένης τεχνολογίας. Εμφανίστηκαν περισσότερα από 60 ενδύματα από 33 καθιερωμένους και αναδυόμενους σχεδιαστές. Τα αντικείμενα κυμαίνονταν από ένα ψηφιακά τυπωμένο φόρεμα από τη συλλογή "Plato's Atlantis" του Alexander McQueen (άνοιξη-καλοκαίρι 2010) έως το "Possessed Dress" του Hussein Chalayan, ένα νέο ντυμένο κόκκινο φόρεμα που είχε κάνει ντεμπούτο στο βίντεό του Gravity Fatigue (2015). Η εσωτερική αισθητική στεφάνη του τελευταίου ενδύματος ταιριάζει με τις λεπτές κινήσεις του σώματος ενός χορευτή σε ένα διαδραστικό pas de deux. Καθ 'όλη τη διάρκεια της έκθεσης - είτε στις δημιουργίες υψηλής ραπτικής του Iris van Herpen, την επανάληψη του 2016 του "CuteCircuit MFA Dress" (2012), είτε του Nervous System (Jessica Rosenkrantz and Jesse Louis-Rosenberg) "Kinematic Petals", ένα φλερτ φόρεμα προσαρμοσμένο μέσω ψηφιακής σάρωσης και παράγεται πλήρως διαμορφωμένο, τακτοποιημένο διπλωμένο και έτοιμο να φορέσει από έναν εκτυπωτή 3D - το "# techstyle" απέδειξε με τόλμη ότι η προηγμένη τεχνολογία δεν ήταν πλέον απλώς μια φαντασία για το μέλλον της μόδας αλλά μάλλον δυναμικός παράγοντας στη σχέδιο.
Η ιστορία της φορεσιάς και η τεχνολογική πρόοδος ήταν πάντα συνυφασμένες. Από τέτοιες εξελίξεις στην προϊστορική εποχή, όπως η βελόνα με τα μάτια και τα εργαλεία όπως η άτρακτος και το καπάκι που χρησιμοποιούνται για την περιστροφή στο χέρι έως τη μηχανοποιημένη κατασκευή που κατέστη δυνατή χάρη στις καινοτομίες της Industrial Revolution, η τεχνολογία βελτίωσε την ποιότητα και την πολυπλοκότητα των ενδυμάτων και έκανε την παραγωγή ευκολότερη και πιο αποτελεσματική τους αιώνες. Αυτή η πρόοδος επιταχύνθηκε στα μέσα του 19ου αιώνα όταν ο Isaac Merritt Singer κατοχύρωσε με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας (1851) μια δημοφιλή ραπτομηχανή. Πρόσφατα κατασκευασμένα υλικά, όπως ελαστικό και ατσάλι, διαμορφωμένες μοντέρνες σιλουέτες. Οι βαφές ανιλίνης πρόσθεσαν ζωντανά νέα χρώματα στην παλέτα της μόδας. και μέχρι τα τέλη του αιώνα, τα συνθετικά υφάσματα - κυρίως το ρεγιόν και αργότερα το νάιλον - προσέφεραν φθηνές εναλλακτικές λύσεις σε υφάσματα πολυτελείας όπως το μετάξι. Όταν η τεχνολογία διεύρυνε την καταναλωτική βάση της μόδας, εκδημοκρατίζει τη βιομηχανία της μόδας της ελίτ, αλλά έπαιξε υποστηρικτικό ρόλο στο σχεδιασμό της μόδας. Αυτή η δυναμική άρχισε να αλλάζει στα μέσα του 20ού αιώνα με την άνοδο της αισθητικής «διαστημικής εποχής» της δεκαετίας του 1960, όπως φαίνεται στις εφεδρικές γραμμές και τις μεταλλικές επιφάνειες που καθόριζαν τις συλλογές των André Courrèges και Pierre Cardin. Αυτά τα σχέδια, που φαίνονται ως καινοτομίες, φωτίστηκαν άσχημα στην ταινία μόδας του William Klein, Qui êtes-vous, Polly Maggoo; (1966). Η ανάπτυξη νέων συνθετικών υλικών - βινύλιο, Spandex, Kevlar, Velcro και Cardin's Cardine (1968) - είχε ένα πιο διαρκές αποτέλεσμα, δίνοντας στους σχεδιαστές τα υλικά μέσα για να κάνουν την τεχνολογία αναπόσπαστο μέρος της διαδικασίας σχεδιασμού.
Η διαδραστικότητα οδήγησε τον σχεδιασμό υψηλής τεχνολογίας τον 21ο αιώνα, όπως φαίνεται, για παράδειγμα, στο ένδυμα κοινωνικής δικτύωσης της Electricfoxy, «Ping», που σχεδιάστηκε από την Jennifer Darmour (2010). Το Ping hoodie συνδέθηκε με τον λογαριασμό πολυμέσων του χρήστη, επιτρέποντας στο άτομο να λαμβάνει ενημερωτικές ενημερώσεις και να «ping» τους φίλους της. Νέα «φορητά» παρουσιάστηκαν ως είδη μόδας, όπως γυαλιά Google Glass (2013) και το πιο επιτυχημένο Apple Watch (2015). Το 2016 η Microsoft κατοχύρωσε με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας ένα «Mood Shirt», ένα ένδυμα ενσωματωμένο με κύκλωμα μαλακών κυττάρων που ανταποκρίνεται στον καρδιακό ρυθμό και τη θερμοκρασία του σώματος με ευχάριστη ζεστασιά ή δονήσεις για να ενισχύσει τη διάθεση του χρήστη. Όπως επεσήμανε η κριτική της μόδας Vanessa Friedman, οι σχεδιαστές θα μπορούσαν να θεωρήσουν το δυναμικό της τεχνολογικής συμβολής στη μόδα περισσότερο από «ένα gadget που δέχεσαι στο σώμα σου». Αυτή η πεποίθηση ενημέρωσε τις 25 Μαΐου 2016, το διάδρομο «Couture in Orbit», που χρηματοδοτήθηκε από τον Ευρωπαϊκό Οργανισμό Διαστήματος (ESA) και φιλοξενήθηκε από το Science Museum του Λονδίνου. Η ESA εξέδωσε μια πρόκληση σε πέντε σχολές σχεδιασμού που εκπροσωπούν τις εθνικότητες των αστροναυτών στην αποστολή του Διεθνούς Διαστημικού Σταθμού 2014–16: το Akademiet Fashion Design της Δανίας, το Politecnico di Milan της Ιταλίας, το Ravensbourne του Ηνωμένου Βασιλείου και τα υποκαταστήματα του ESMOD στη Γαλλία και τη Γερμανία. Σε κάθε σχολείο δόθηκε ένα θέμα - όπως τεχνολογία, περιβάλλον, καινοτομία, υγεία και διατροφή - αλλά όλοι μοιράστηκαν την ίδια εντολή για να δημιουργήσουν βιώσιμα και κομψά ρούχα με χαρακτηριστικά υψηλής τεχνολογίας. Οι εθνικοί εταιρικοί χορηγοί προσέφεραν συμβουλές και μέσω της συνεργατικής δημιουργικότητας οι μαθητές παρήγαγαν ρούχα αιχμής που ενσωματώνουν αισθητήρες, έξυπνα υφάσματα και ανακυκλωμένα υλικά ως βασικά στοιχεία του σχεδιασμού.
Στον τομέα της υψηλής ραπτικής, ο Issey Miyake πέτυχε μια καλή ισορροπία κατά τη διάρκεια της 45χρονης καριέρας του χρησιμοποιώντας παραδοσιακές τεχνικές και τεχνολογία αιχμής. Η έκθεση Miyake Issey: The Work of Issey Miyake, που διοργανώθηκε το 2016 από το Εθνικό Κέντρο Τέχνης του Τόκιο, τόνισε τη γοητεία του με το μέλλον καθώς και τον σεβασμό του για τα υλικά και τις πρακτικές της ιαπωνικής του κληρονομιάς. Σε αντίθεση με τις επιφανειακές αναφορές των σχεδίων διαστημικής εποχής της δεκαετίας του 1960, το φόρεμα "Flying Saucer" του Miyake (άνοιξη-καλοκαίρι 1994) κόπηκε πρώτα και στη συνέχεια υποβλήθηκε σε επεξεργασία μέσω ενός θερμαινόμενου τύπου που το έκαψε μόνιμα. Η σειρά του A-POC ("A Piece of Cloth") του 1999, που αναπτύχθηκε με τον Dai Fujiwara, χρησιμοποίησε την τεχνολογία υπολογιστών για να δημιουργήσει ένα πρότυπο για ένα σωλήνα φανέλας που παρήχθη σε ένα βασικό πλεκτό μηχάνημα, χρησιμοποιώντας μόνο ένα μόνο ύφασμα. το ένδυμα περιβάλλει το σώμα σε μια φαινομενικά απεριόριστη ποικιλία σιλουέτες.
Η Chalayan κατέλαβε την πρώτη γραμμή του σχεδιασμού διαδραστικών ενδυμάτων που χρησιμοποιούσαν ασύρματη τεχνολογία. Το φόρεμα του "Τηλεχειριστήριο" σταμάτησε την παράσταση στη συλλογή του prêt-à-porter (έτοιμο για ένδυση) την άνοιξη-καλοκαίρι του 2000. Για το "Before Minus Now", ένα μικρό αγόρι εμφανίστηκε στο διάδρομο με μια συσκευή τηλεχειρισμού που άνοιξε τα ανοιχτό ροζ πάνελ από φίμπεργκλας του φορέματος για να αποκαλύψει στρώματα από συνθετικό τούλι. Τα πιο αξιομνημόνευτα έργα του Chalayan, όπως το κινητικό φόρεμα που εμφανίστηκε στο βίντεο Gravity Fatigue (2015), θόλωσε τη γραμμή μεταξύ της μόδας και της τέχνης, αλλά χαρακτήρισε τα τεχνολογικά πειράματα «πρωτότυπα», σε αντίθεση με τα φορετά έργα που, σύμφωνα με τον Chalayan, αποτελούν το 99% των σχεδίων του, όπως φαίνεται στα ρέοντα φορέματα που εκτυπώνονται με τεχνικά σχέδια στη συλλογή του prêt-à-porter του φθινοπώρου-χειμώνα 2016.
Παρόλο που η Iris van Herpen το 2006 ολοκλήρωσε τις σπουδές της στον σχεδιασμό μόδας στο ArtEZ Institute of Arts στην Ολλανδία, είχε ήδη αναδειχθεί ως η κορυφαία καινοτόμος στην πλήρη αφομοίωση της υψηλής τεχνολογίας στον προηγμένο σχεδιασμό. Η έκθεση 2015–16 «Iris van Herpen: Transforming Fashion» στο High Museum of Art της Ατλάντα, παρουσίασε το πλήρες φάσμα του οράματός της σε 45 σύνολα που αντιπροσωπεύουν 15 συλλογές (2008–15). Ήταν πιο γνωστή για την πρωτοποριακή χρήση ενός τρισδιάστατου εκτυπωτή για τη δημιουργία ενδυμάτων και για τη στενή συνεργασία με αρχιτέκτονες, επιστήμονες και μηχανικούς για να αποκτήσουν νέες μεθόδους και υλικά. Η συλλογή υψηλής ραπτικής του φθινοπώρου-χειμώνα 2016 παρουσίασε κυματιστά βιομορφοειδή σχήματα εμπνευσμένα από cymatics, τα δονητικά φαινόμενα των ηχητικών κυμάτων πάνω σε ρευστές επιφάνειες, καθώς και εύθραυστα και υπέροχα σφαιρικά φορέματα γεμισμένα με φυσαλίδες από γυαλί που κολλάνε μαζί σε ένα μαργαριτάρι επενδυμένο καουτσούκ ύφασμα αφού έχει επικαλυφθεί με διαφανή σιλικόνη. Ο γάμος της διαχρονικής χειροτεχνίας με την συνεχώς εξελισσόμενη επιστημονική εμπειρογνωμοσύνη ήταν επίσης το βασικό θέμα της έκθεσης «Manus x Machina», η οποία το 2016 προσέλκυσε ρεκόρ πλήθους στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης. Σε μια ανασκόπηση διάρκειας ενός αιώνα για το έργο τέτοιων τεχνολογικών πρωτοπόρων όπως οι Miyake, Chalayan και van Herpen, σε διάλογο με εικονικά παραδείγματα παραδοσιακής ραπτικής των Christian Dior και Gabrielle («Coco») Chanel, ο επιμελητής Andrew Bolton προέβαλε ένα πειστικό επιχείρημα ότι το χέρι και το μηχάνημα πρέπει να θεωρούνται «ίσοι και αμοιβαίοι πρωταγωνιστές» και όχι «αντιθετικοί» και αποκλειστικές δυνάμεις στη μόδα. Πουθενά αυτή η γνώμη δεν έγινε πιο δυνατή από ό, τι σε ένα νυφικό 2014–15 που σχεδιάστηκε από τον Karl Lagerfeld για τη Chanel. Φτιαγμένο από πλεκτό scuba (neoprene), το φόρεμα περιλάμβανε ένα τρένο μήκους 6 μέτρων (20 πόδια) διακοσμημένο με χρυσό μοτίβο φυλλώματος και διακοσμημένο με μαργαριτάρια και πολύτιμους λίθους. Το μοτίβο, το οποίο βασίστηκε σε ένα σκίτσο του Lagerfeld, τροφοδοτήθηκε σε έναν υπολογιστή, επεκτάθηκε και στη συνέχεια μεταφέρθηκε στο τρένο. Μόλις το περίγραμμα ήταν στη θέση του, παραδοσιακά ειδικευμένοι κεντητές χεριών δούλεψαν το σχέδιο - μια εργασία διάρκειας 450 ωρών. Η προσπάθεια απέδειξε πόσο υψηλή τεχνολογία είχε απορροφηθεί απρόσκοπτα στην αρχαία τέχνη της υψηλής ραπτικής.
