Cantata και oratorio
Οι κορυφαίοι συνθέτες της ναπολιτάνικης όπερας βοήθησαν επίσης να καθιερωθεί ο μπαρόκ διάδοχος του madrigal - τα καντάτα - που δημιουργήθηκε ως μια κοσμική μορφή για σόλο φωνή με οργανική συνοδεία. Ο Giacomo Carissimi τυποποίησε τη φόρμα ως ένα σύντομο δράμα στο στίχο που αποτελείται από δύο ή περισσότερες άριες με τις προηγούμενες απαγγελίες τους. Τα καντάτα εισήχθησαν στη Γαλλία από έναν από τους μαθητές του Carissimi, τον Marc-Antoine Charpentier. Ο Louis Nicolas Clérambault συνέχισε την παράδοση στα τέλη του Μπαρόκ. Με την εξασθενημένη στυλιστική διάκριση μεταξύ ιερής και κοσμικής μουσικής, τα καντάτα μετατράπηκαν γρήγορα σε εκκλησιαστικούς σκοπούς, ιδιαίτερα στη Γερμανία, όπου έγινε η κύρια διακοσμητική μουσική υπηρεσίας για τη Λουθηρανική Εκκλησία. Οι Dietrich Buxtehude και Johann Kuhnau ήταν δύο από τους κορυφαίους συνθέτες τέτοιων εκκλησιών.
Ενώ οι νέες τεχνικές συναυλίας εφαρμόζονταν σε καθιερωμένες μορφές εκκλησιαστικής μουσικής, όπως η μάζα, η εξυπηρέτηση, το motet, ο ύμνος και το χορά, εμφανίστηκαν νέες μορφές που ήταν σαφείς αποχωρήσεις από τα αναγεννησιακά στυλ και τύπους. Το ρητορείο και οι ρυθμίσεις της ιστορίας του Πάθους αναπτύχθηκαν ταυτόχρονα με όπερα και σε σχεδόν πανομοιότυπες γραμμές, αποτελούμενες από απαγγελίες, άρια, φωνητικά σύνολα, ενόργανα παρεμβολές και χορωδίες. Ο Emilio del Cavaliere ήταν ο «ιδρυτής» του ρητορείου με το La rappresentazione di anima e di corpo (Η Αντιπροσώπευση της Ψυχής και του Σώματος). Παράγεται στη Ρώμη το 1600, σε αυτό το έργο, σε αντίθεση με το αληθινό ρητορείο, με ηθοποιούς και κοστούμια. Ο Carissimi και ο Alessandro Scarlatti ήταν οι επικεφαλής Ιταλοί μπαρόκ συνθέτες του oratorio, και ο Heinrich Schütz, μαθητής τόσο του Giovanni Gabrieli όσο και του Monteverdi στη Βενετία, ήταν ο κορυφαίος Γερμανός συνθέτης του 17ου αιώνα σε αυτόν τον τομέα.
Ορχηστρική μουσική
Οι νέες τεχνικές του Le nuove musiche έπρεπε να ακουστούν στη μουσική για όργανα, ειδικά τώρα που συμμετείχαν σε είδη που είχαν ήδη γραφτεί για ασυνόδευτες φωνές (π.χ. το motet). Οι μορφές και τα μέσα της οργανικής μουσικής παρέμειναν ουσιαστικά τα ίδια, αλλά με πολύ διαφορετική έμφαση. Το λαούτο, για παράδειγμα, έχασε την κατάσταση γρήγορα με την άνοδο του άρπαχορδου ως το πιο κοινό όργανο για συνεχή συνοδεία δραματικών παραγωγών. Το όργανο, ως το παραδοσιακό εκκλησιαστικό όργανο, διατήρησε τη θέση του και αφομοίωσε τις εξελισσόμενες μορφές.
Τροποποίηση και επέκταση παλαιότερων μορφών
Τα ζευγάρια χορού της Αναγέννησης αναπτύχθηκαν, περίπου στα μέσα του 17ου αιώνα, σε σουίτες χορού που αποτελούνται βασικά από τέσσερις χορούς: allemande, courante, saraband και gigue, με προαιρετικούς χορούς όπως το gavotte, το bourrée και το minuet που παρεμβάλλονται μερικές φορές πριν η τελική κίνηση. Μορφές παραλλαγής - το chaconne (στο οποίο ένα σύνολο αρμονιών ή ένα θέμα μπάσων επαναλαμβάνεται συνεχώς), το passacaglia (στο οποίο το θέμα επαναλαμβάνεται αλλά όχι απαραίτητα στο μπάσο), μαζί με το μπάσο εδάφους και παραλλαγές σε γνωστές μελωδίες - συνέχισε να είναι δημοφιλής. Οι ελεύθερες φόρμες συνεχίστηκαν επίσης στα πρότυπα των αναγεννησιακών τους προηγούμενων, ενώ αυξάνονταν σε διάσταση και εφευρετικότητα. Τα τόκατα, το προοίμιο και η φαντασία επεκτάθηκαν σε πολυτομεακές μορφές χρησιμοποιώντας τις τρεις βασικές οργανικές υφές - μιμητική αντίθεση, χορδική ομοφωνία και βιρτουόζικο έργο διέλευσης - σε συνδυασμό, εναλλαγή και αντίθεση. Το αναγεννησιακό φούγκα σχηματίζεται, κυρίως το canzona και το ricercar, σταδιακά εξελίχθηκε σε όψιμο μπαρόκ φούγκα, και οι συνθέσεις cantus firmus συνέχισαν να ανθίζουν ως αποτέλεσμα της λειτουργικής λειτουργίας τους.
Τα σονάτα και το κοντσέρτο
Οι κύριες νέες κατηγορίες οργανικής μουσικής κατά την περίοδο του Μπαρόκ ήταν τα σονάτα και το κοντσέρτο. Αρχικά εφαρμόστηκε σε οργανικά κομμάτια που προέρχονται από το canzona, ο όρος sonata έγινε ο χαρακτηρισμός μιας μορφής που θα κυριαρχούσε στην ορχηστρική μουσική από τα μέσα του 18ου έως τον 20ο αιώνα. Στην εκδήλωση του πληκτρολογίου, ήταν μια δυαδική (δύο μέρη) δομή παρόμοια με μια κίνηση χορού. Για μικρό σύνολο, εξελίχθηκε σε μια σειρά ανεξάρτητων κινήσεων (συνήθως σε μια αργή-γρήγορη-αργή-γρήγορη διάταξη) που ονομάζεται sonata da chiesa («εκκλησία sonata») ή μια σουίτα χορού που ονομάζεται sonata da camera («chambra sonata»)). Ιδιαίτερα εξέχουσα ήταν το τρίο σονάτα, για δύο βιολιά (ή φλάουτα ή όμποε) και τσέλο με συνεχές. Τελικά, παρόμοιες μορφές υιοθετήθηκαν για ορχήστρα (sinfonia ή κοντσέρτο), για ορχήστρα με μια μικρή ομάδα επιλεγμένων οργάνων (κοντσέρτο grosso), ή για ένα σόλο όργανο με ορχήστρα (σόλο κοντσέρτο). Η θεμελιώδης αρχή του κοντσέρτου ήταν αυτή της αντίθεσης ορχηστρικών ομάδων και μουσικών υφών.
Καθ 'όλη τη διάρκεια της περιόδου, η μουσική πληκτρολογίου άνθισε, ιδίως στα χέρια των Jan Pieterszoon Sweelinck στις Κάτω Χώρες, Johann Pachelbel και Johann Froberger στη Γερμανία, Girolamo Frescobaldi στην Ιταλία και Domenico Scarlatti στην Ισπανία. Στη Γαλλία, οι επικεφαλής εκθέτες περιελάμβαναν τον Rameau και τον François Couperin.
Η ορχηστρική ορχηστρική ορχήστρα, τόσο αίθουσα όσο και ορχηστρική, κυριαρχούσαν από τους Ιταλούς, κυρίως από την Μπολόνια, το σχολείο της Μπολόνιας που παράγει συνθέτες όπως ο Αρκάγγελο Κορέλι, ο Αντόνιο Βιβάλντι και ο Γκιόσεπ Ταρτίνι. Ο Purcell στην Αγγλία και ο Couperin και ο Jean-Marie Leclair στη Γαλλία είναι εκπρόσωποι των πολλών συνθετών σε άλλα έθνη που επηρεάστηκαν από ιταλικά μοντέλα ορχηστρικής μουσικής.
